Comprendre le post-impressionnisme en 4 minutes

Origine

Le post-impressionnisme , également connu sous le nom de « post-impressionnisme », est un phénomène artistique important de l'histoire de l'art français qui a émergé après l'impressionnisme .

L'idée principale de ce mouvement est de s'opposer aux impressionnistes et aux néo-impressionnistes . Ces derniers s'attachaient uniquement à représenter la lumière et l'ombre telles qu'elles étaient, et accordaient une importance excessive aux détails infimes et fragmentaires des couleurs et de la lumière extérieures.

Au contraire, elle met l'accent sur un retour aux émotions subjectives du créateur et une redécouverte de la « réalité » intrinsèque des choses. Dans leur art, ils privilégiaient la création de formes claires . Ils utilisaient les lignes , les aplats de couleur , les formes en trois dimensions et les surfaces planes comme outils essentiels à la réalisation de leurs peintures, et partageaient des styles artistiques similaires.

Le terme « post-impressionnisme » désigne des artistes comme Paul Cézanne , Vincent van Gogh et Paul Gauguin , ainsi que leurs manières de peindre.

Le terme « post-impressionnisme » a été inventé en 1911 par le critique d'art britannique Roger Fry (1866-1934), qui a dirigé le Metropolitan Museum of Art de New York. En d'autres termes, ces trois artistes n'ont été qualifiés de « post-impressionnistes » qu'après leur décès.

Pendant de nombreuses années auparavant, en France, on ne les distinguait pas des peintres impressionnistes. Ce n'est que plus tard que ce terme a été employé pour désigner leur style artistique particulier.

Bien que Cézanne ait exposé ses toiles aux côtés d'artistes impressionnistes pendant la majeure partie de sa vie, le terme « post-impressionnisme » reste le plus approprié pour le décrire, ainsi que Van Gogh et Gauguin. Leurs conceptions et pratiques artistiques différaient en effet totalement de celles des impressionnistes.

Style

Le post-impressionnisme désigne essentiellement les idées artistiques et les peintures de trois artistes : Paul Cézanne, Vincent van Gogh et Paul Gauguin.

Tous trois ont été profondément influencés par l'impressionnisme à leurs débuts. Cézanne et Gauguin ont exposé leurs œuvres dans des salons impressionnistes. Van Gogh, quant à lui, n'y a pas participé, mais s'est toujours considéré comme un impressionniste.

Au fil de leur création, ils ont progressivement dépassé les limites de l'impressionnisme. Ils étaient convaincus que la peinture ne devait pas se contenter de copier le monde tel qu'il est, mais plutôt exprimer les sentiments et la compréhension personnels de l'artiste.

Tout en partageant des inclinations créatives communes, chacun possédait une personnalité artistique distincte :

• Cézanne a consacré sa vie à la recherche de formes éternelles et de structures picturales solides . Il conférait à ses toiles une impression de lourdeur, de solidité et de stabilité. Finalement, il a simplifié son œuvre et utilisé des formes simples comme le cercle et le carré, ce qui a fait de lui un chef de file du cubisme et de l'expressionnisme abstrait .
• Gauguin souhaitait que les artistes cessent de se contenter de copier ce qu'ils voyaient. Il les encourageait à peindre de mémoire et d'imagination . Il appréciait l'art qui combinait les idées et utilisait des symboles . Ses dernières toiles, réalisées à Tahiti , présentaient un style fortement « primitif » (simple, ancien) – ce que Roger Fry qualifiait de « primitivisme » dans ses écrits.
• Le style pictural unique de Van Gogh est né de la fusion de l'expressionnisme , du néo-impressionnisme et des estampes japonaises ukiyo-e avec sa propre personnalité. Il constitue un exemple remarquable de la rencontre entre l'art oriental et occidental . Ses œuvres révèlent avec une grande clarté ses sentiments et sa personnalité. Cette puissante expression de soi a également influencé, plus tard, l'expressionnisme allemand .

Réalisations exceptionnelles

1. Percées novatrices dans l'expression artistique

Cézanne s'est démarqué des impressionnistes, qui se contentaient de copier la lumière et l'ombre. Il a insufflé à ses toiles ses propres sentiments et idées, faisant de l'art un moyen d' expression personnelle plutôt qu'une simple représentation du monde.

Il accordait également une grande importance à la structure et à l'esthétique de ses tableaux. Cézanne privilégiait les formes simples (cercles, carrés, etc.). Van Gogh, quant à lui, employait des coups de pinceau vigoureux et audacieux , tandis que Gauguin utilisait des symboles pour exprimer ses idées. Ensemble, ces nouvelles approches picturales ont révolutionné la création artistique.

2. Influence profonde sur l'art ultérieur

Cézanne a directement inspiré des mouvements artistiques modernes comme le cubisme, l'expressionnisme et l'expressionnisme abstrait. Figure majeure de l'histoire de l'art, il a su faire le lien entre les traditions artistiques anciennes et nouvelles.

Il a également rompu avec l'idée reçue selon laquelle « l'art doit être une reproduction fidèle de la réalité ». Cézanne a démontré que l'art peut exprimer les sentiments personnels de l'artiste et explorer de nouvelles formes, ouvrant ainsi de nouvelles perspectives quant à l'expression artistique.

3. L'attrait durable de ses œuvres

Leurs œuvres sont empreintes d'émotions fortes et d'une puissance saisissante. Van Gogh utilisait des couleurs vives et éclatantes , les toiles de Gauguin dégageaient une beauté simple et naturelle, et celles de Cézanne une impression de calme et d'harmonie. Aujourd'hui encore, ces tableaux continuent de toucher les cœurs à travers le monde.

Ils ont mêlé différentes cultures à leurs propres styles. Par exemple, Van Gogh s'est inspiré des estampes japonaises Ukiyo-e. Ses œuvres possèdent l'énergie audacieuse de l'art occidental et la douce beauté de l'art oriental ; elles sont à la fois profondes et ouvertes à diverses influences.

Œuvres exceptionnelles

Paul Cézanne

• Mont Sainte-Victoire : Il peignait les montagnes et les champs en utilisant des formes simples (comme des cercles et des carrés). Le tableau dégage une impression de solidité et de stabilité, témoignant de sa recherche de « formes éternelles » dans l’art.
• Nature morte aux pommes et au panier : Il a simplifié les fruits et les objets représentés. Il a utilisé différentes couches de couleur pour leur donner un aspect tridimensionnel. Cette œuvre a contribué à l’émergence du style cubiste.

Vincent van Gogh

• La Nuit étoilée : Il a utilisé des coups de pinceau sinueux et tourbillonnants, ainsi que des couleurs vives et intenses, comme le bleu et le jaune côte à côte. Ces éléments témoignent de ses sentiments profonds et de son amour pour la nature, rendant le tableau particulièrement saisissant et puissant.
• Tournesols : Les fleurs ont des pétales d’un jaune éclatant. L’artiste a utilisé des coups de pinceau épais et audacieux pour les peindre, ce qui leur donne un aspect plein de vie et d’énergie. Cela témoigne aussi de l’amour de la vie que portait le peintre à la nature.

Paul Gauguin

• D'où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? : Il a peint la vie des Tahitiens à l'aide de symboles (des images simples qui représentent des idées plus vastes). Les couleurs vives et riches confèrent à la toile l'aspect d'un poème simple et naturel, et invitent à la réflexion sur les grandes questions existentielles.
• Jacob aux prises avec l'ange : Il a représenté les personnages de manière simple (sans détails). Il a utilisé de larges aplats de couleurs vives pour exprimer l'intensité et le caractère dramatique du récit religieux. Ceci correspond au concept artistique de « symbolisme synthétique » — l'utilisation de formes et de symboles simples pour transmettre des idées profondes.