Matisse × Fauvisme : un mouvement artistique contre l'esthétique traditionnelle
Henri Matisse (1869-1954) est considéré, aux côtés de Pablo Ruiz Picasso , Vincent van Gogh et Paul Cézanne , comme l'un des peintres les plus importants du XXe siècle . Il est né au Cateau-Cambrésis, en Picardie, dans une famille de pharmaciens et de négociants en grains.
De 1882 à 1887, il étudie le droit, mais abandonne ensuite sa carrière juridique pour se consacrer à la peinture. Il étudie auprès de William-Adolphe Bouguereau à la classe préparatoire de l'Académie Julian. En 1892, il entre à l' École des Beaux-Arts et étudie dans l'atelier du peintre symboliste Moreau.
La réflexion de Moreau sur la nature même de la théorie des couleurs en peinture a profondément influencé Matisse. Moreau pensait : « On ne peut obtenir de belles couleurs en copiant la nature. Les couleurs d'un tableau doivent provenir de la pensée, de l'imagination et du rêve. »
Après avoir quitté l'Académie des Beaux-Arts, influencé par le pointillisme néo-impressionniste de Signac , il créa « Luxe, Tranquillité, Joie » (1904). Ce tableau s'inspire du poème de Baudelaire « Visite à l'île de Cythère ». Le poème dit : « Là, tout est beau, net, élégant, calme et joyeux. »
Ce tableau témoigne de l'immense talent créatif de Matisse en tant que coloriste. L'association de points roses, jaunes et bleus dégage une impression de bonheur et de joie . Ce tableau lui a valu l'admiration de nombreux jeunes peintres.
Au début, Matisse n'était pas satisfait de l'association de la ligne et de la couleur dans Luxe, Sérénité, Joie. L'art de Gauguin l'a conduit à adopter un style décoratif . Il a résolu le problème entre la ligne et la couleur en utilisant des aplats de couleur, séparés par des lignes courbes et fluides.
La Joie de vivre de Matisse a été achevée après 1905. Elle représente des femmes dans un style oriental profitant de la vie sur un magnifique bord de mer. Un groupe de femmes dansent en cercle au loin, contrastant avec l'immobilité d'un nu au premier plan.
L'idée d'exprimer un paradis terrestre ou un âge d'or à travers l'art visuel remonte à la Renaissance . Bien que Matisse s'inspire souvent de thèmes occidentaux anciens, son inspiration vient de l'art oriental . L'imposante taille du tableau et ses couleurs vives combinées ont fait sensation à l'époque.
L'histoire de l'art moderne considère La Joie de Vivre de Matisse comme la première grande œuvre du XXe siècle . Elle précède Les Demoiselles d'Avignon de Picasso. Elle incarne le concept esthétique du fauvisme, caractérisé par des couleurs vives, des formes simples, une composition harmonieuse et un fort intérêt décoratif.
Au Salon d'Automne de 1905, Matisse présenta deux autres œuvres : Fenêtre ouverte et Femme au chapeau . Les couleurs chaudes, vibrantes et passionnées, semblaient s'affranchir des contraintes des couleurs froides, un progrès par rapport à Gauguin, Moreau et Bernard.
En 1927, Matisse obtient une bourse de la Fondation Carnegie . Il se rend aux États-Unis et réalise la célèbre fresque « Danse ». Plus tard, des rhumatismes l'empêchent de peindre. Il utilise alors des découpes de papier coloré pour créer des tableaux décoratifs, créant ainsi un style unique .
Pour étudier le corps humain, Matisse s'est tourné vers la sculpture. Il a créé environ 70 sculptures au cours de sa carrière. Sculpter des figures en argile lui permettait de compresser des formes solides sur une surface bidimensionnelle, obtenant ainsi un effet holistique.
Une œuvre représentative de cette période est « L'Esclave ». La pose de « l'esclave » rappelle « L'Homme qui marche » de Rodin. Cela semble préfigurer le passage de la sculpture de Matisse des styles traditionnels à la modernité .
Matisse aimait beaucoup la sculpture. Il réalisa donc le Nu couché I en 1907, inspiré de sa peinture à l'huile Figure humaine bleue de l'époque, mais transformé en sculpture. Plus tard, il créa des œuvres comme Figure décorative (1908), Homme-serpent (1909) et Crucifixion (1910). Ces œuvres témoignent de ses tentatives de renouveau en sculpture et ont profondément influencé la sculpture moderne.
Le fauvisme, mouvement moderniste majeur , tomba dans l'oubli après 1908. Mais pour Matisse, le fauvisme ne marqua pas la formation de son style, mais plutôt son commencement. Braque devint plus tard un maître du cubisme . Les expressionnistes allemands invitèrent Rouault à participer à leur exposition et il devint l'un des rares grands peintres religieux de l'art moderne. Cependant, la plupart des artistes fauvistes sombrèrent plus tard dans l'oubli et la banalisation.
Après le fauvisme, Matisse poursuit ses explorations. Jusqu'en 1920, il utilise différentes méthodes libres pour créer un nouvel espace pictural . Il connaît même une courte période cubiste. Sa célèbre Harmonie en rouge (1911) diffère de son précédent tableau impressionniste, La Table. Elle semble marquer un autre tournant majeur dans l'art de Matisse.
Matisse n'utilisait pas la perspective traditionnelle. Il utilisait plutôt des associations de couleurs et des lignes courbes pour créer une nouvelle perception de l'espace, un monde étrange, exotique et mystérieux. Entre 1907 et 1910, il continua d'explorer la manière dont la ligne, la couleur et l'espace s'articulaient. Il se concentra sur ses thèmes joyeux favoris : le paradis et l'Âge d'Or. Le plus célèbre d'entre eux est « La Danse », peinte en 1909, un sujet déjà présent dans la vue lointaine de « La Joie de vivre ».
Entre 1910 et 1913, Matisse se rendit en Espagne et au Maroc. Il peignit les paysages les plus lumineux de sa vie, témoignant de son amour pour la lumière du soleil et les paysages insolites. C'est à cette époque qu'il commença son exploration du cubisme.
Parmi ses œuvres remarquables, citons « Variations d'une nature morte à Delhi » (1915-1917) et « Les Marocains » (1916). Les peintures cubistes de Matisse ne comportaient jamais d'objets fragmentés. Grâce à ces œuvres, il s'est entraîné à géométriser et à simplifier les objets , évitant toute ornementation excessive. « La Leçon de piano » (1916-1917) est son œuvre cubiste la plus distinctive et la plus réussie. Matisse y a utilisé de larges aplats de couleurs vives dans une composition abstraite.
Après la Première Guerre mondiale, Matisse a produit un grand nombre de peintures figuratives. Ces œuvres possédaient soit un sens aigu de la forme, soit reposaient principalement sur la ligne. Dans ses dernières années, Matisse a expérimenté les relations entre les couleurs à travers des papiers découpés colorés. Il a utilisé cette forme unique pour obtenir de magnifiques effets décoratifs dans les illustrations de livres et la décoration intérieure .
Vers 1950, les aplats de couleur de ses peintures commencent à acquérir une certaine autonomie. Durant cette période, Matisse s'affaiblit de plus en plus. Il commence à utiliser des papiers découpés colorés, qui deviennent son principal moyen de création artistique à la fin de sa vie. Des morceaux de papier sont d'abord peints selon ses spécifications, puis découpés et assemblés pour former la toile. Les effets de couleurs vibrants obtenus dans ses œuvres ultérieures revêtent une grande importance pour les jeunes artistes.
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