Les 6 mouvements artistiques les plus influents

1. Renaissance, XIVe-XVIe siècles , originaire d'Italie

Cœur

Son fondement était l'« humanisme ». Il s'opposait à l'idée religieuse du Moyen Âge de renoncer aux plaisirs. Il encourageait le respect des valeurs humaines et de la vie réelle. Il prônait également un art scientifique et réaliste.

Caractéristiques principales

La première utilisation systématique de la perspective, créant une sensation d'espace tridimensionnelle.

L'accent est mis sur l'anatomie humaine, ce qui donne lieu à une modélisation réaliste des personnages et à des proportions précises.

Ses couleurs sont douces et naturelles. Bien que ses thèmes soient principalement religieux, ils évoquent également les émotions et les scènes de la vie quotidienne.

Personnages et œuvres représentatifs

Léonard de Vinci : La Joconde et La Cène accordent une grande importance à la lumière et à l’ombre. Elles s’attachent également à montrer les pensées et les sentiments des personnages.

Michel-Ange :  David et le plafond de la chapelle Sixtine (soulignant la puissance et le caractère sacré du corps humain).

Raphaël : L'École d'Athènes (mélange de philosophie classique et d'humanisme, avec une composition équilibrée et harmonieuse).

Historique du développement

Première période (XIVe siècle) :  Elle débute à Florence, en Italie. Des artistes comme Giotto s'éloignent du style médiéval rigide et posent les bases de l'art réaliste.

Haute Période (XVe-XVIe siècles) : Le centre se déplace vers Rome. Des maîtres comme Léonard de Vinci et Michel-Ange apparaissent, et les arts et les idées atteignent leur apogée.

Époque tardive (fin du XVIe siècle) : Ce style s'est répandu dans différents pays d'Europe. Il est devenu le « maniérisme », un style plus extravagant et sophistiqué. Il a contribué à préparer l'avènement des formes d'art baroques.

2. Impressionnisme, années 1960-1990, originaire de France

Cœur

Cela allait à l'encontre des « sujets historiques » et du « style réaliste et rigoureux » de l'école académique. Il encourageait la capture des changements rapides de lumière et de couleur, et la représentation des émotions réelles de la nature et de la vie quotidienne.

Caractéristiques principales

Il utilisait des coups de pinceau amples et courts. Il ne se concentrait pas sur les petits détails, mais se concentrait sur la combinaison et le mélange des couleurs (comme le « pointillisme » de Monet, une forme d'art précoce).

Il représente souvent des scènes en extérieur (comme des levers de soleil, des prairies et des berges de rivières), mettant l'accent sur le « dessin en plein air ».

Il peignait des sujets faciles à comprendre, comme des scènes du quotidien comme des cafés, des bals et des promenades, loin des thèmes traditionnels de la noblesse ou de la religion.

Personnages et œuvres représentatifs

Monet : Impression, Soleil levant : Ce tableau a donné son nom au mouvement. Il représente l'eau floue dans la lumière matinale. Série des Nymphéas : Ces peintures traitent de la lumière et des ombres sur l'eau à différents moments.

Renoir : Bal au Moulin de la Galette (les couleurs vives montrent la vie sociale animée des gens ordinaires).

Degas : « La Leçon de danse » (excelle dans la capture de moments dynamiques, utilisant souvent des compositions détaillées).

Historique du développement

Origines (années 1860) :  Les œuvres de jeunes peintres comme Monet et Renoir furent refusées par le Salon officiel. Leur art ne répondait pas aux critères de l'école académique.

Percée (1874) : La première exposition impressionniste a lieu. Les critiques d'art se moquent d'Impression, soleil levant, mais c'est aussi le début du mouvement.

Maturité (années 1880) :  Les peintres développent un style unifié, leurs œuvres gagnent progressivement en reconnaissance et leur influence se répand dans toute l'Europe.

Déclin (années 1890) :  Les membres fondateurs commencent à peindre dans des styles différents (par exemple, Cézanne privilégie l'exploration structurelle). Le mouvement s'effondre progressivement, mais pose les bases de l'art moderne.

3. Fauvisme, années 1905-1908, originaire de France

Cœur

Il brise totalement les codes traditionnels des couleurs. Il utilise des couleurs extravagantes, vives, voire « sauvages » pour exprimer directement les sentiments. Il ne dépend pas de la couleur réelle des choses, comme peindre l'herbe en rouge.

Caractéristiques principales

Des contrastes de couleurs extrêmes, comme un jaune vif à côté d'un violet foncé, se marient à des coups de pinceau audacieux et libres. Ils créent un effet puissant et accrocheur.

Les figures sont simplifiées, évitant le réalisme au profit de la tension émotionnelle créée par la couleur.

Les sujets sont principalement des paysages et des portraits, et les images sont pleines de vitalité et d’émotion subjective.

Personnages et œuvres représentatifs

Matisse :  Harmonie en rouge : Ce tableau utilise de grandes zones de rouge pour éclairer une pièce. Il perturbe la sensation de profondeur et accentue l'aspect plat de la couleur. La Femme au chapeau : Il utilise des couleurs fictives pour dessiner une personne.

Derain :  « Charing Cross Bridge, Londres » (utilisant des couleurs très saturées pour représenter un paysage urbain, imprégné de nature sauvage).

Historique du développement

Origines (1905) : Des peintres comme Matisse et Derain ont exposé leurs œuvres à l'Exposition universelle de Paris. Les historiens de l'art les ont appelés les « Fauves » ; c'est ainsi que le mouvement a obtenu son nom.

Haute période (1905-1907) : les membres principaux ont travaillé intensément, développant un style distinctif qui a favorisé la libération de la couleur et influencé le cubisme et l'expressionnisme ultérieurs.

Dissolution (1908) : Le mouvement s'est dissous après seulement trois ans. Cela s'explique par des idées artistiques divergentes parmi ses membres (par exemple, Matisse se concentrait davantage sur le « décoratif », tandis que Derain revenait à la tradition). Mais cela a changé à jamais le rôle de la couleur dans l'art.

4. Cubisme, années 1907-1920, originaire de France

Cœur

Elle abandonne la méthode traditionnelle d'observation en perspective unique. Les artistes décomposent d'abord les objets en formes géométriques, comme des carrés, des triangles et des cylindres. Ils reconstituent ensuite ces formes sous différents angles. Ils révèlent ainsi la structure globale des objets.

Caractéristiques principales

Les peintures semblent fragmentées, utilisant des blocs géométriques pour montrer des objets (par exemple, les personnages de Picasso : vous pouvez voir à la fois leur face et leur côté).

Les couleurs sont apaisantes, principalement composées de tons neutres comme le marron, le gris et le noir. Cela évite que la couleur ne gêne la mise en valeur de la structure.

Il existe deux types de cubisme. L'un est le « cubisme analytique » : il décompose des objets et se concentre sur l'étude de leur structure. L'autre est le « cubisme synthétique » : il utilise des éléments comme les collages et le texte pour reconstituer des images.

Personnages et œuvres représentatifs

Picasso :  Les Demoiselles d’Avignon : C’est le premier tableau cubiste important. Il utilise des blocs géométriques pour reconstituer des corps humains et brise les codes du portrait. Guernica : Il utilise les techniques cubistes pour dénoncer les atrocités commises en temps de guerre.

Braque :  Guitare : L’utilisation de blocs géométriques simples pour dessiner la structure de la guitare contribue également au développement du « démantèlement du cubisme ».

Historique du développement

Origines (1907) : Picasso réalise Les Demoiselles d'Avignon. Il s'inspire des masques africains et de la « Théorie de la construction » de Cézanne, jetant ainsi les bases du cubisme.

Cubisme analytique (1908-1912) :  Picasso a collaboré avec Braque, en se concentrant sur la déconstruction de la structure des objets, ce qui a donné lieu à des peintures très abstraites.

Cubisme synthétique (1912-1920) :  Les artistes y ajoutent des collages – comme des morceaux de papier journal et de tissu – et du texte. Cela enrichit les peintures et influence le dadaïsme et le pop art.

Déclin (après les années 1920) :  Les membres fondateurs se sont tournés vers d'autres styles. Mais le cubisme a transformé la perception de l'espace dans l'art et a marqué un tournant majeur pour l'art moderne.

5. Surréalisme, années 1924-1950, originaire de France

Cœur

Elle s'inspire de la « théorie du subconscient » de Freud. Elle étudie les images de rêves et  les choses imaginaires que l'on voit et qui ne sont pas réelles . Elle crée des « scènes inventées qui n'existent pas dans la vie réelle » et s'affranchit des limites de la logique et du bon sens.

Caractéristiques principales

Ces peintures regorgent de choses étranges et insolites, comme des horloges en fusion et des objets flottants. Elles évoquent des rêves et ne suivent aucune logique.

Elles vont des représentations réalistes de détails (comme dans les œuvres de Dalí) aux expressions abstraites d'émotions (comme dans celles de Miró).

Le sujet traite souvent de peurs, de désirs et de fantasmes subconscients, souvent imprégnés de connotations mystiques ou symboliques.

Personnages et œuvres représentatifs

Dalí :  La Persistance de la Mémoire : Des horloges fondent et un rivage désert et solitaire. Ils montrent l'étrangeté du temps et les pensées que nous entretenons sans nous en rendre compte. Prémonition de la Guerre Civile : Des figures humaines déformées révèlent l'effroi de la guerre.

Magnité :  « L'Homme au chapeau noir » (le visage d'un homme masqué par une pomme explore la contradiction entre « voir » et « être »).

Jim Miró :  « Le Carnaval d'Arlequin » (utilisant des symboles simples et des couleurs vives pour représenter une scène onirique).

Historique du développement

Origines (1924) : Le poète Breton publie le « Manifeste du surréalisme », qui propose officiellement les principes du mouvement. Initialement axé sur la littérature, il s'étend ensuite aux arts visuels.

Apogée (années 1930-1940) : Des peintres comme Dalí et Magritte deviennent célèbres. Leurs œuvres sont largement exposées en Europe et aux États-Unis, et leur influence atteint son apogée.

Déclin (après les années 1950) : Après la Seconde Guerre mondiale, l'expressionnisme abstrait devient populaire. Le surréalisme s'est peu à peu estompé, mais il a conservé une grande influence sur les dessins ultérieurs du pop art et de la science-fiction.

6. Expressionnisme abstrait, années 1940-1960, originaire des États-Unis

Cœur

Il abandonne complètement les « images spécifiques ». Il utilise les couleurs, les lignes et les coups de pinceau pour exprimer directement les sentiments, sans recourir à des objets réels. Il se concentre sur les « actions » de l'artiste et sur l'expression de ses émotions.

Caractéristiques principales

Les peintures manquent de thème clair. Les artistes ne transmettent des sentiments (comme la colère, le calme, l'anxiété) qu'à travers les couleurs et la précision du pinceau.

Il existe deux types de peinture. L'une est l'« action painting » : des artistes comme Pollock se concentrent sur les « gouttes et les éclaboussures » lors de leur création. L'autre est la « color field painting » : des artistes comme Rothko utilisent de grands blocs de couleur pour créer une ambiance.

Le processus créatif est libre, sans composition préconçue, mettant l'accent sur « l'expression improvisée ».

Personnages et œuvres représentatifs

Jackson Pollock : « Lavender Mist » (créé à l'aide de techniques de goutte à goutte, d'aspersion et d'éclaboussures, le tableau est plein de mouvement et de tension).

Mark Rothko : « Sans titre (Rouge sur rouge) » (de grandes zones de rouge empilées les unes sur les autres transmettent une sensation profonde et calme).

Historique du développement

Origines (années 1940) :  Influencés par le surréalisme et le cubisme européens, les peintres américains (principalement des immigrants ou des vétérans) ont commencé à explorer les styles abstraits en réaction au réalisme traditionnel.

Apogée (années 1950) : L'action painting et le color field painting deviennent courants, et New York devient le centre de l'art moderne. Ce mouvement est également connu sous le nom d'« École de New York ».

Déclin (après les années 1960) :  Avec l'essor du Pop Art et du Minimalisme, l'expressionnisme abstrait a progressivement disparu du courant dominant. Il a néanmoins établi la position de l'Amérique dans l'art moderne et a favorisé la mondialisation de l'« art abstrait ».

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