가장 영향력 있는 6대 미술 사조

1. 르네상스, 14~16세기 , 이탈리아에서 시작

핵심

그 핵심은 "인본주의"였습니다. 쾌락을 포기해야 한다는 중세 종교 사상에 반하는 것이었습니다. 인간의 가치와 실생활에 대한 관심을 고취했습니다. 또한 예술이 과학적이고 삶에 충실해야 한다고 주장했습니다.

주요 특징

원근법을 체계적으로 사용하여 3차원적인 공간감을 창조한 최초의 사례입니다.

인체 해부학에 중점을 두어 사실적인 캐릭터 모델링과 정확한 비율을 구현했습니다.

부드럽고 자연스러운 색감을 자랑합니다. 주로 종교적인 주제를 다루지만, 평범한 사람들의 감정과 장면도 담고 있습니다.

대표 인물 및 예술 작품

레오나르도 다빈치의 <모나리자>와 <최후의 만찬>은 빛과 그림자에 주목합니다. 또한 등장인물들의 생각과 감정을 표현하는 데에도 집중합니다.

미켈란젤로:  다비드와 시스티나 성당 천장화(인체의 힘과 신성함을 강조).

라파엘로: 아테네 학당(고전 철학과 인본주의를 융합하여 균형 있고 조화로운 구성을 보임).

개발 역사

초기 시대(14세기):  이탈리아 피렌체에서 시작되었습니다. 조토와 같은 예술가들은 딱딱한 중세 양식에서 벗어나 사실주의 미술의 토대를 마련했습니다.

전성기(15~16세기): 예술의 중심지가 로마로 옮겨갔습니다. 레오나르도 다빈치와 미켈란젤로 같은 거장들이 등장하면서 예술적 기교와 사상이 절정에 달했습니다.

후기(16세기 후반): 유럽 여러 나라로 퍼져 나갔습니다. "매너리즘"으로 발전했는데, 이는 더욱 과장되고 화려한 양식입니다. 이는 바로크 미술의 발전에 기여했습니다.

2. 인상주의, 1960년대~1990년대, 프랑스에서 시작

핵심

이는 학술적인 학파의 "역사적 주제"와 "신중한 사실주의적 양식"에 어긋났습니다. 빛과 색채의 빠른 변화를 포착하고 자연과 일상생활의 생생한 감정을 드러내는 것이 목적이었습니다.

주요 특징

그는 느슨하고 짧은 붓놀림을 사용했습니다. 작은 디테일에 집중하지 않고, 오직 색채를 조합하고 혼합하는 데 집중했습니다(모네의 초기 미술 양식인 "점묘주의"처럼).

그는 종종 야외 풍경(일출, 초원, 강둑 등)을 묘사하며, "야외 스케치"를 강조합니다.

그는 공감하기 쉬운 소재를 그렸습니다. 여기에는 전통적인 귀족적이거나 종교적인 주제가 아닌, 카페, 춤, 산책처럼 일상적인 것들이 포함되었습니다.

대표 인물 및 예술 작품

모네: 인상, 일출: 이 그림에서 이 운동이라는 이름이 유래되었습니다. 아침 햇살 아래 흐릿한 물이 보입니다. 수련 연작: 이 그림들은 시간에 따라 달라지는 물 위의 빛과 그림자를 묘사합니다.

르누아르: 뮬랭 드 라 갈레트의 춤(밝은 색채는 일반 사람들의 활기찬 사교 장면을 보여줌)

드가: "댄스 레슨"(자주 세부적인 구성을 사용하여 역동적인 순간을 포착하는 데 탁월함).

개발 역사

기원 (1860년대):  모네와 르누아르 같은 젊은 화가들은 공식 살롱에서 작품을 거부당했습니다. 그들의 작품은 해당 학파의 기준에 미치지 못했습니다.

1874년, 첫 인상파 전시회가 열렸습니다. 미술 평론가들은 <인상, 일출>을 조롱했지만, 이는 인상파 운동의 시작을 알리는 사건이기도 했습니다.

성숙기(1880년대):  화가들은 통일된 스타일을 개발했고, 그들의 작품은 점차 인정을 받았으며, 그들의 영향력은 유럽 전역으로 퍼졌습니다.

쇠퇴 (1890년대):  핵심 구성원들이 다양한 화풍으로 그림을 그리기 시작했습니다(예: 세잔은 "구조적 탐구"에 집중했습니다). 이 운동은 점차 쇠퇴했지만, 현대 미술의 토대를 마련했습니다.

3. 야수파, 1905년대 - 1908년대, 프랑스에서 시작

핵심

전통적인 색채 규칙을 완전히 깨뜨립니다. 과장되고, 밝고, 심지어 "야성적인" 색상을 사용하여 감정을 직접적으로 표현합니다. 마치 풀을 빨간색으로 칠하는 것처럼 사물의 실제 색깔에 의존하지 않습니다.

주요 특징

진한 보라색 옆에 밝은 노란색을 배치하는 것처럼 극단적인 색상 대비는 대담하고 자유로운 붓놀림과 어우러져 강렬하고 시선을 사로잡는 효과를 만들어냅니다.

그림은 단순화되어, 색채가 만들어내는 감정적 긴장감을 위해 사실성을 배제했습니다.

그림의 주제는 주로 풍경과 인물이며, 이미지는 생동감과 주관적인 감정으로 가득 차 있습니다.

대표 인물 및 예술 작품

마티스:  붉은색의 조화: 넓은 면적의 붉은색을 사용하여 실내를 밝게 비춥니다. 깊이감을 흐트러뜨리고 색이 얼마나 밋밋해 보이는지에 초점을 맞춥니다. 모자를 쓴 여인: 비현실적인 색상을 사용하여 인물을 그립니다.

드랭:  "런던 차링크로스 다리"(고채도의 색상을 사용하여 야생적인 분위기가 물씬 풍기는 도시 풍경을 묘사함).

개발 역사

기원(1905): 마티스와 드랭 같은 화가들이 파리 미술 전시회에 작품을 선보였습니다. 미술사학자들은 그들을 "야수파"라고 불렀는데, 이것이 이 운동의 이름이 유래된 이유입니다.

전성기(1905-1907): 핵심 멤버들은 집중적으로 작업하여 색채 해방을 촉진하고 이후의 입체주의와 표현주의에 영향을 준 독특한 스타일을 개발했습니다.

해체(1908): 이 운동은 단 3년 만에 해체되었습니다. 이는 구성원들의 예술적 사고방식이 서로 달랐기 때문입니다. (예를 들어, 마티스는 "장식성"에 더 집중했고, 드랭은 전통으로 돌아갔습니다.) 하지만 이 운동은 예술에서 색채의 역할을 영원히 바꾸어 놓았습니다.

4. 입체파, 1907년대 - 1920년대, 프랑스에서 시작

핵심

이 기법은 전통적인 "단일 시점" 관찰 방식을 버립니다. 예술가들은 먼저 사물을 정사각형, 삼각형, 원기둥과 같은 기하학적 모양으로 분해합니다. 그런 다음 이 모양들을 여러 각도에서 다시 조립합니다. 이렇게 하여 사물의 "전방위 구조"를 보여줍니다.

주요 특징

그림은 기하학적 블록을 사용하여 물체를 보여주기 때문에 분리되어 보입니다(예: 피카소의 인물 - 앞면과 측면을 모두 볼 수 있음).

색상은 차분하며, 주로 갈색, 회색, 검은색과 같은 중립적인 색조를 사용합니다. 이렇게 하면 색상이 구조를 드러내는 데 방해가 되지 않습니다.

두 가지 유형이 있습니다. 하나는 사물을 분해하여 그 구조를 연구하는 "분석적 입체주의"입니다. 다른 하나는 콜라주나 텍스트 등을 사용하여 이미지를 다시 구성하는 "합성적 입체주의"입니다.

대표 인물 및 예술 작품

피카소:  아비뇽의 처녀들: 최초의 중요한 입체파 그림입니다. 기하학적인 블록을 사용하여 인체를 재구성하고 초상화에 대한 오래된 규칙을 깨뜨립니다. 게르니카: 입체파 기법을 사용하여 전쟁에서 사람들이 저지르는 끔찍한 행위에 대해 목소리를 높입니다.

브라크:  기타: 간단한 기하학적 블록을 사용하여 기타의 구조를 그립니다. 또한 "입체파 해체"의 발전에도 도움이 됩니다.

개발 역사

기원(1907): 피카소는 <아비뇽의 처녀들>을 제작했습니다. 그는 아프리카 가면과 세잔의 "구성 이론"에서 아이디어를 얻어 입체주의의 토대를 마련했습니다.

분석적 입체주의(1908-1912):  피카소는 브라크와 협력하여 사물의 구조를 해체하는 데 주력했고, 그 결과 매우 추상적인 그림이 탄생했습니다.

합성 입체주의(1912-1920년대):  예술가들은 신문지나 천 조각 같은 콜라주와 텍스트를 더했습니다. 이는 그림을 더욱 풍부하게 만들었고, 이후 다다이즘과 팝 아트에 영향을 미쳤습니다.

쇠퇴 (1920년대 이후):  핵심 구성원들은 다른 양식으로 전환했습니다. 하지만 입체주의는 예술에서 "공간"에 대한 사람들의 생각을 변화시켰고, 현대 미술에 큰 전환점을 가져왔습니다.

5. 초현실주의, 1924년대-1950년대, 프랑스에서 시작

핵심

프로이트의 "잠재의식 이론"을 따릅니다. 꿈과  상상 속에서 보이는, 실제로는 존재하지 않는 것들 의 이미지를 연구합니다 . "실제 세상에는 존재하지 않는 허구의 장면"을 만들어내고, 논리와 상식의 한계를 허무러뜨립니다.

주요 특징

이 그림들은 녹는 시계나 떠다니는 물체처럼 기묘하고 이상한 것들로 가득 차 있습니다. 마치 꿈처럼 느껴지고 논리를 따르지 않습니다.

이러한 작품들은 세부 사항의 사실적 묘사(달리의 작품에서처럼)부터 감정의 추상적인 표현(미로의 작품에서처럼)까지 다양합니다.

이 작품의 주제는 종종 잠재의식의 두려움, 욕망, 환상을 다루며, 종종 신비적이거나 상징적인 의미가 담겨 있습니다.

대표 인물 및 예술 작품

달리:  기억의 지속: 녹아내리는 시계와 텅 빈 외로운 해안이 있다. 그것들은 시간의 기묘함과 우리가 깨닫지 못하는 사이에 품고 있는 생각들을 보여준다. 내전의 예감: 뒤틀린 인물들은 사람들에게 전쟁의 공포를 느끼게 한다.

Magnité:  "검은 모자를 쓴 남자"(사과에 가려진 남자의 얼굴은 "보는 것"과 "존재하는 것" 사이의 모순을 탐구합니다.)

짐 미로:  "할리퀸의 카니발"(단순한 상징과 생생한 색상을 사용하여 꿈같은 장면을 묘사).

개발 역사

기원(1924): 시인 브르통은 "초현실주의 선언"을 발표하여 초현실주의 운동의 원칙을 공식적으로 제시했습니다. 처음에는 문학에 초점을 맞추었지만, 이후 시각 예술로 확장되었습니다.

전성기(1930~1940년대): 달리와 마그리트 같은 화가들이 널리 알려지게 되었습니다. 그들의 작품은 유럽과 미국에서 많이 전시되었고, 그들의 영향력은 절정에 달했습니다.

쇠퇴 (1950년대 이후): 제2차 세계 대전 이후 추상 표현주의가 인기를 얻었습니다. 초현실주의는 서서히 쇠퇴했지만, 이후 팝아트와 SF 드로잉에 큰 영향을 미쳤습니다.

6. 추상 표현주의, 1940년대-1960년대, 미국에서 시작

핵심

"구체적인 이미지"를 완전히 배제합니다. 색채, 선, 붓놀림을 통해 감정을 직접적으로 표현하며, 실제 사물은 필요 없습니다. 작가의 "행동"과 "감정 표출"에 집중합니다.

주요 특징

그림에는 명확한 주제가 없습니다. 화가들은 색채와 붓을 얼마나 세게 다루는지를 통해서만 감정(분노, 평온, 불안 등)을 전달합니다.

두 가지 유형이 있습니다. 하나는 "액션 페인팅"으로, 폴록과 같은 예술가들이 작업할 때 "떨어뜨리고 튀기는" 방식에 집중합니다. 다른 하나는 "컬러 필드 페인팅"으로, 로스코와 같은 예술가들이 큰 색 블록을 사용하여 분위기를 조성합니다.

창작 과정은 자유롭고, 선입견 없이 구성되며, "즉흥적 표현"을 강조합니다.

대표 인물 및 예술 작품

잭슨 폴록: "라벤더 미스트"(떨어뜨리기, 뿌리기, 튀기기 기법을 사용하여 그린 이 그림은 움직임과 긴장감으로 가득 차 있습니다).

마크 로스코: 무제(빨간색 위의 빨간색)"(넓은 면적의 빨간색이 서로 쌓여 깊고 차분한 느낌을 전달함)

개발 역사

기원(1940년대):  유럽의 초현실주의와 입체주의의 영향을 받은 미국의 화가들(대부분 이민자나 참전 용사)은 전통적 사실주의에 대한 반발로 추상 스타일을 탐구하기 시작했습니다.

전성기(1950년대): 액션 페인팅과 컬러 필드 페인팅이 주류를 이루면서 뉴욕은 현대 미술의 중심지가 되었습니다. 이 운동은 "뉴욕파"로도 알려져 있습니다.

쇠퇴 (1960년대 이후):  팝아트와 미니멀리즘의 부상으로 추상표현주의는 점차 주류에서 사라졌습니다. 하지만 추상표현주의는 현대 미술에서 미국의 입지를 확립하고 "추상 미술"의 세계화를 촉진했습니다.

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