マティス×フォーヴィスム：伝統的な美学に抗う芸術運動

アンリ・マティス（1869-1954）は、パブロ・ルイス・ピカソ、フィンセント・ファン・ゴッホ、ポール・セザンヌと並んで、 20世紀で最も重要な画家の一人に数えられています。彼はフランス北部ピカルディ地方ル・カトーの薬剤師兼穀物商の家庭に生まれました。

1882年から1887年まで法律を学んだが、後に法律家としてのキャリアを断念し、画家へと転向した。アカデミー・ジュリアンの予備クラスでウィリアム＝アドルフ・ブグローに師事した。1892年にエコール・デ・ボザールに入学し、象徴主義の画家モローのアトリエで学んだ。

モローによる絵画における色彩理論の主題性に関する議論は、マティスに大きな影響を与えました。モローは「自然を模倣するだけでは美しい色は得られない。絵画における色彩は、思考、想像、そして夢想から生まれるものだ」と考えていました。

美術アカデミーを卒業後、シニャックの新印象派点描の影響を受け、「贅沢、静寂、歓喜」（1904年）を制作しました。この絵画は、ボードレールの詩『キテール島訪問』から着想を得ています。詩には、「そこでは、すべてが美しく、整然としていて、華やかで、穏やかで、歓喜に満ちている」とあります。

この絵画は、マティスの色彩表現における卓越した創造力を示しています。ピンク、黄色、青の点の組み合わせは、幸福感と喜びを醸し出しています。この絵画は、多くの若い画家たちの称賛を集めました。

当初、マティスは『贅沢、静寂、歓喜』における線と色彩の調和に満足していませんでした。ゴーギャンの作品は彼に装飾的なスタイルを強いました。彼は、平坦な色のブロックと、それらを区切る曲線を描く流れるような線を用いることで、線と色彩の不調和を解消しました。

マティスの「人生の歓喜」は1905年以降に完成しました。美しい海岸で東洋風のスタイルで人生を楽しむ女性たちが描かれています。遠くには輪になって踊る女性たちが描かれ、前景の裸婦の静寂と対照的です。

地上の楽園や黄金時代を視覚芸術で表現するという概念は、ルネサンス時代にまで遡ります。マティスはしばしば西洋の古代のテーマを題材としていましたが、そのインスピレーションは東洋美術に由来しています。その巨大なスケールと大胆な色彩の融合は、当時大きなセンセーションを巻き起こしました。

近代美術史において、マティスの『人生の歓喜』は20世紀最初の傑作とされています。ピカソの『アヴィニョンの娘たち』よりも先に登場したこの作品は、大胆な色彩、シンプルな形態、調和のとれた構成、そして強い装飾性というフォーヴィスムの美的概念を体現しています。

1905年のサロン・ドートンヌでは、マティスはこの作品のほかに、 「開いた窓」と「帽子をかぶった女」という2つの作品を出品しました。鮮やかで情熱的な暖色系は、寒色系の制約から解放されたように見え、ゴーギャン、モロー、ベルナールと比べて一歩前進したと言えるでしょう。

1927年、マティスはカーネギー財団の助成金を獲得しました。渡米し、有名な壁画「ダンス」を制作しました。晩年、リウマチのため絵画制作が不可能になりましたが、色紙の切り絵を用いて装飾画を制作し、独自のスタイルを確立しました。

人体を研究するため、マティスは彫刻に目を向けました。彼は生涯を通じて約70点の彫刻を制作しました。粘土で人物を彫刻することで、立体的な形状を二次元面に圧縮し、ホリスティックな効果を生み出しました。

この時期を代表する作品の一つに「奴隷」があります。この「奴隷」のポーズは、ロダンの「歩く男」を彷彿とさせます。これは、マティスの彫刻が伝統的な様式から近代性へと移行していくことを予兆しているようにも思われます。

マティスは彫刻を深く愛し、1907年に「横たわる裸婦I」を制作しました。これは当時の油絵「青い人体像」を彫刻化した作品です。その後も「装飾的人物像」（1908年）、「蛇人」（1909年）、「磔刑」（1910年）といった作品を制作しました。これらの作品は、彼が彫刻においていかに新しい試みに挑戦したかを示しており、近代彫刻に大きな影響を与えました。

著名なモダニズム運動であるフォーヴィスムは、1908年以降、忘れ去られていきました。しかしマティスにとって、フォーヴィスムは彼の作風の形成ではなく、むしろ始まりに過ぎませんでした。ブラックは後にキュビスムの巨匠となりました。ルオーはドイツ表現主義の画家たちから展覧会への参加を依頼され、近代美術における数少ない偉大な宗教画家の一人となりました。しかしながら、フォーヴィスムの画家の多くは、後に凡庸な作品へと姿を消し、忘れ去られていきました。

フォーヴィスムの後も、マティスは探求を続けました。1920年まで、彼は様々な自由な手法を用いて新たな絵画空間を創造しました。短期間ながらキュビズムの時代もありました。彼の代表作『赤のハーモニー』（1911年）は、初期の印象派作品『食卓』とは異なり、マティスの芸術におけるもう一つの大きな変化を示していると言えるでしょう。

マティスは伝統的な遠近法を用いませんでした。代わりに、色彩の組み合わせと曲線を用いて、新たな空間感覚、そして奇妙で異国情緒あふれる神秘的な新世界を創造しました。1907年から1910年にかけて、彼は線、色彩、そして空間がどのように調和するかを探求し続けました。彼は、楽園と黄金時代といった、彼が好んだ幸福なテーマに焦点を当てました。その中で最も有名なのは、1909年に描かれた「ダンス」で、これは以前「人生の歓喜」の遠景画にも描かれていた主題です。

　　1910年から1913年にかけて、マティスはスペインとモロッコを訪れました。彼は生涯で最も明るい風景画を描きました。それらは、彼がいかに太陽の光と珍しい風景を愛していたかを物語っています。この時期に、彼のキュビスムへの探求は始まりました。

代表的な作品には「デリームの静物画の変奏」（1915-1917年）と「モロッコ人」（1916年）がある。マティスのキュビズム絵画には、断片化された物体は描かれていなかった。これらの作品を通して、彼は過度の装飾を避け、物体を幾何学的に単純化することに努めた。「ピアノ・レッスン」（1916-1917年）は、彼の最も特徴的で成功したキュビズム作品である。マティスは、鮮やかな色彩を抽象的に配置した広大な領域を巧みに用いた。

After World War I, Matisse produced a large number of figure paintings. These paintings either possessed a strong sense of form or were primarily based on line. In his later years, Matisse experimented with color relationships through colored paper cutouts. He employed this unique form to achieve beautiful decorative effects in book illustrations and interior decoration .

1950年頃になると、彼の絵画における色彩の塊は、独立した性質を帯び始めました。この頃、マティスはますます衰弱していきました。彼は色紙の切り絵を使い始め、これが晩年の彼の主な創作手法となりました。まず紙片に彼の指示に従って色を塗り、それを切り取ってキャンバスに組み上げました。後期の作品で実現された鮮やかな色彩効果は、若い芸術家にとって大きな意味を持ちました。

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