Matisse × Fauvismus: Eine Kunstbewegung gegen die traditionelle Ästhetik

Henri Matisse (1869–1954) zählt neben Pablo Ruiz Picasso , Vincent van Gogh und Paul Cézanne zu den bedeutendsten Malern des 20. Jahrhunderts . Er wurde in Le Cateau in der Picardie (Nordfrankreich) in eine Familie von Apothekern und Getreidehändlern geboren.

Von 1882 bis 1887 studierte er Jura, gab diese Karriere jedoch später auf, um sich der Malerei zu widmen. Er studierte bei William-Adolphe Bouguereau in der Vorklasse der Académie Julian. 1892 trat er in die École des Beaux-Arts ein und studierte im Atelier des Symbolisten Moreau.

Moreaus Ausführungen über den Gegenstandscharakter der Farbenlehre in der Malerei hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf Matisse. Moreau meinte: „Schöne Farben erhält man nicht durch das Kopieren der Natur. Die Farben in einem Gemälde müssen aus Denken, Vorstellen und Träumen entstehen.“

Nach seinem Ausscheiden aus der Akademie der Schönen Künste, beeinflusst von Signacs neoimpressionistischem Pointillismus , schuf er „Luxus, Ruhe, Freude“ (1904). Die Idee zu diesem Gemälde stammt aus Baudelaires Gedicht „Ein Besuch auf der Insel Kythira“. Das Gedicht besagt: „Dort ist alles schön, ordentlich, elegant, ruhig und voller Freude.“

Dieses Gemälde beweist Matisses immenses Talent als Kolorist. Die Kombination aus rosa, gelben und blauen Punkten strahlt eine Atmosphäre der Freude und des Glücks aus. Es brachte ihm die Bewunderung vieler junger Maler ein.

Matisse war zunächst unzufrieden mit dem Zusammenspiel von Linie und Farbe in „Luxus, Gelassenheit, Freude“. Gauguins Kunst inspirierte ihn zu einem dekorativen Stil . Er löste das Problem zwischen Linie und Farbe, indem er flächige Farbblöcke verwendete, die durch geschwungene, fließende Linien voneinander getrennt waren.

Matisses Gemälde „Die Freude am Leben“ entstand nach 1905. Es zeigt Frauen im orientalischen Stil, die das Leben an einem wunderschönen Meeresstrand genießen. Im Hintergrund tanzt eine Gruppe von Frauen im Kreis, im Kontrast zur Stille einer nackten Frau im Vordergrund.

Die Idee, ein irdisches Paradies oder ein goldenes Zeitalter in der bildenden Kunst auszudrücken, reicht bis in die Renaissance zurück. Obwohl Matisse oft auf antike westliche Themen zurückgriff, stammte seine Inspiration aus der östlichen Kunst . Die gewaltigen Dimensionen und die kräftigen Farben des Gemäldes sorgten damals für Furore.

Die moderne Kunstgeschichte betrachtet Matisses „Die Freude am Leben“ als das erste große Werk des 20. Jahrhunderts . Es entstand vor Picassos „Les Demoiselles d’Avignon“. Es verkörpert das ästhetische Konzept des Fauvismus: kräftige Farben, einfache Formen, harmonische Komposition und ein starkes dekoratives Interesse.

Im Salon d’Automne 1905 zeigte Matisse neben diesem Werk zwei weitere: „Offenes Fenster“ und „Frau mit Hut“ . Die leuchtenden, warmen Farben schienen sich von den Beschränkungen kühler Farbformen befreit zu haben – ein Fortschritt gegenüber Gauguin, Moreau und Bernard.

1927 erhielt Matisse ein Stipendium der Carnegie-Stiftung . Er reiste in die USA und schuf das berühmte Wandgemälde „Der Tanz“. Später hinderte ihn Rheuma am Malen. Daher verwendete er farbige Papierschnitte für dekorative Bilder und entwickelte so einen einzigartigen Stil .

Um den menschlichen Körper zu studieren, wandte sich Matisse der Bildhauerei zu. Im Laufe seiner Karriere schuf er etwa 70 Skulpturen . Das Modellieren von Figuren aus Ton erlaubte es ihm, massive Formen auf eine zweidimensionale Fläche zu verdichten und so einen ganzheitlichen Effekt zu erzielen.

Ein repräsentatives Kunstwerk aus dieser Zeit ist „Sklave“. Die Pose des „Sklaven“ erinnert an Rodins „Schreitenden Mann“. Dies scheint den Übergang in Matisses Bildhauerei von traditionellen Stilen zur Moderne vorwegzunehmen.

Matisse liebte die Bildhauerei sehr. So schuf er 1907 den Liegenden Akt I. Er basiert auf seinem Ölgemälde „Blaue menschliche Figur“ aus dieser Zeit, setzte es aber in eine Skulptur um. Später schuf er Werke wie die Dekorative Figur (1908), den Schlangenmenschen (1909) und die Kreuzigung (1910). Diese Werke zeigen, wie er mit der Bildhauerei experimentierte und die moderne Bildhauerei nachhaltig beeinflusste.

Der Fauvismus, eine bedeutende modernistische Bewegung , geriet nach 1908 in Vergessenheit. Für Matisse war er jedoch nicht die Grundlage seines Stils, sondern vielmehr dessen Ausgangspunkt. Braque wurde später ein Meister des Kubismus . Rouault wurde von deutschen Expressionisten eingeladen, an ihrer Ausstellung teilzunehmen, und avancierte zu einem der wenigen großen religiösen Maler der modernen Kunst. Die meisten Fauvisten hingegen verfielen später in gewöhnliche Werke und gerieten in Vergessenheit.

Nach dem Fauvismus setzte Matisse seine künstlerischen Erkundungen fort. Bis 1920 nutzte er verschiedene freie Techniken, um einen neuen Malraum zu schaffen. Er durchlief sogar eine kurze kubistische Phase. Sein berühmtes Werk „Harmonie in Rot“ (1911) unterscheidet sich deutlich von seinem früheren impressionistischen Gemälde „Der Tisch“. Es scheint einen weiteren bedeutenden Wandel in Matisses Kunst aufzuzeigen.

Matisse verzichtete auf die traditionelle Perspektive. Stattdessen nutzte er Farbabstimmungen und geschwungene Linien, um ein neues Raumgefühl zu erzeugen – und eine fremde, exotische, geheimnisvolle neue Welt. Zwischen 1907 und 1910 erforschte er unentwegt das Zusammenspiel von Linie, Farbe und Raum. Er konzentrierte sich auf seine bevorzugten , heiteren Themen : das Paradies und das Goldene Zeitalter. Das berühmteste dieser Werke ist „Der Tanz“, gemalt 1909, ein Motiv, das bereits in der Ferne von „Die Freude am Leben“ zu sehen war.

　　Zwischen 1910 und 1913 reiste Matisse nach Spanien und Marokko. Dort malte er die farbenprächtigsten Landschaften seines Lebens – sie zeugen von seiner tiefen Liebe zum Sonnenlicht und zu ungewöhnlichen Landschaften. In dieser Zeit begann auch seine Auseinandersetzung mit dem Kubismus.

Zu seinen bedeutendsten Werken zählen „ Variationen eines Stilllebens in Delhi “ (1915–1917) und „Die Marokkaner“ (1916). Matisses kubistische Gemälde enthielten nie fragmentierte Objekte. In diesen Werken übte er sich in der Geometrisierung und Vereinfachung von Objekten und vermied übermäßige Ornamentik. „Die Klavierstunde“ (1916–1917) ist sein markantestes und erfolgreichstes kubistisches Werk. Hier setzte Matisse großflächig leuchtende Farben in einer abstrakten Anordnung ein.

Nach dem Ersten Weltkrieg schuf Matisse zahlreiche Figurenbilder. Diese Gemälde zeichneten sich entweder durch eine starke Formensprache aus oder basierten vorwiegend auf der Linie. In seinen späteren Jahren experimentierte Matisse mit Farbverhältnissen durch farbige Papierschnitte. Diese einzigartige Technik nutzte er, um in Buchillustrationen und der Inneneinrichtung wunderschöne dekorative Effekte zu erzielen.

Um 1950 begannen die Farbflächen in seinen Gemälden eine eigenständige Wirkung zu entfalten. In dieser Zeit verschlechterte sich Matisses Zustand zusehends. Er begann, mit farbigen Papierschnitten zu arbeiten – dies wurde in seinen späteren Jahren seine wichtigste künstlerische Methode. Papierstücke wurden zunächst nach seinen Vorgaben bemalt, dann ausgeschnitten und auf der Leinwand zusammengefügt. Die leuchtenden Farbeffekte seiner späteren Werke waren für jüngere Künstler von großer Bedeutung.

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