6 najbardziej wpływowych nurtów artystycznych

1. Renesans, XIV-XVI wiek , mający swój początek we Włoszech

Rdzeń

Jego rdzeniem był „humanizm”. Sprzeciwiał się on średniowiecznej idei religijnej wyrzeczenia się przyjemności. Zachęcał do troski o wartości ludzkie i prawdziwe życie. Naciskał również na to, by sztuka była naukowa i wierna życiu.

Główne cechy

Pierwsze systematyczne zastosowanie perspektywy, tworzące trójwymiarowe poczucie przestrzeni.

Nacisk położony na anatomię człowieka, czego efektem jest realistyczne modelowanie postaci i precyzyjne proporcje.

Kolory są stonowane i naturalne. Choć tematyka obrazu jest głównie religijna, pojawiają się w nim również emocje i sceny z życia zwykłych ludzi.

Postacie reprezentacyjne i dzieła sztuki

Leonardo da Vinci: Mona Lisa i Ostatnia Wieczerza skupiają się na świetle i cieniu. Koncentrują się również na ukazaniu myśli i uczuć bohaterów.

Michał Anioł:  Dawid i sufit Kaplicy Sykstyńskiej (podkreślający moc i świętość ludzkiego ciała).

Rafael: Szkoła Ateńska (połączenie filozofii klasycznej z humanizmem, kompozycja zrównoważona i harmonijna).

Historia rozwoju

Okres wczesny (XIV wiek):  Rozpoczął się we Florencji we Włoszech. Artyści tacy jak Giotto odeszli od sztywnego stylu średniowiecznego i położyli podwaliny pod sztukę realistyczną.

Okres Rozkwitu (XV-XVI wiek): Centrum przeniosło się do Rzymu. Pojawili się tacy mistrzowie jak Leonardo da Vinci i Michał Anioł, a umiejętności artystyczne i idee osiągnęły szczyt.

Okres późny (koniec XVI wieku): Rozprzestrzenił się w różnych krajach Europy. Stał się „manieryzmem” – stylem bardziej ekstrawaganckim i fantazyjnym. To pomogło w przygotowaniu się do form sztuki barokowej.

2. Impresjonizm, lata 60. i 90. XX wieku, powstał we Francji

Rdzeń

Było to sprzeczne z „przedmiotami historycznymi” i „starannym, realistycznym stylem” szkoły akademickiej. Zachęcało do uchwycenia szybkich zmian światła i kolorów oraz pokazania prawdziwych uczuć związanych z naturą i życiem codziennym.

Główne cechy

Używał luźnych, krótkich pociągnięć pędzla. Nie skupiał się na drobnych szczegółach – tylko na łączeniu i mieszaniu kolorów (jak we wczesnej formie sztuki, jaką był „Puentylizm” Moneta).

Często przedstawia sceny plenerowe (takie jak wschody słońca, łąki i brzegi rzek), kładąc nacisk na „szkicowanie w plenerze”.

Malował tematy łatwe do utożsamienia. Należały do nich codzienne sytuacje, takie jak kawiarnie, tańce i spacery – a nie tradycyjne motywy szlacheckie czy religijne.

Postacie reprezentacyjne i dzieła sztuki

Monet: Impresja, Wschód słońca: Ten obraz nadał nazwę temu ruchowi. Przedstawia on rozmytą wodę w porannym świetle. Seria Lilie Wodne: Te obrazy przedstawiają światło i cienie na wodzie w różnych momentach.

Renoir: Taniec w Moulin de la Galette (jaskrawe kolory ukazują ożywione życie towarzyskie zwykłych ludzi).

Degas: „Lekcja tańca” (doskonale uchwyca dynamiczne momenty, często stosując szczegółowe kompozycje).

Historia rozwoju

Początki (lata 60. XIX wieku):  Dzieła młodych malarzy, takich jak Monet i Renoir, były odrzucane przez oficjalny Salon. Ich sztuka nie spełniała standardów uczelni akademickiej.

Przełom (1874): Odbyła się pierwsza wystawa impresjonistów. Krytycy sztuki wyśmiewali Impresję i Wschód słońca, ale to wydarzenie zapoczątkowało również cały ruch.

Dojrzałość (lata 80. XIX w.):  Malarze wykształcili jednolity styl, ich dzieła stopniowo zyskały uznanie, a ich wpływ rozprzestrzenił się na całą Europę.

Schyłek (lata 90. XIX wieku):  Rdzenni przedstawiciele ruchu zaczęli malować w różnych stylach (np. Cézanne koncentrował się na „eksploracji strukturalnej”). Ruch stopniowo się rozpadał, ale położył podwaliny pod sztukę nowoczesną.

3. Fowizm, lata 1905–1908, powstał we Francji

Rdzeń

Całkowicie łamie tradycyjne zasady dotyczące kolorów. Używa przesadnych, jaskrawych, wręcz „dzikich” kolorów, aby bezpośrednio wyrazić emocje. Nie zależy od tego, jakie kolory mają rzeczy – jak na przykład malowanie trawy na czerwono.

Główne cechy

Ekstremalne kontrasty kolorystyczne – na przykład zestawienie jasnej żółci z ciemną purpurą – łączą się z wyrazistymi, swobodnymi pociągnięciami pędzla. Tworzą silny, przyciągający wzrok efekt.

Postacie są uproszczone, unikają realizmu na rzecz napięcia emocjonalnego wywoływanego przez kolor.

Tematami prac są przede wszystkim krajobrazy i portrety, a obrazy są pełne witalności i subiektywnych emocji.

Postacie reprezentacyjne i dzieła sztuki

Matisse:  Harmony in Red: Używa dużych obszarów czerwieni, aby rozświetlić wnętrze. Zaburza to wrażenie głębi i skupia się na tym, jak płaski wydaje się kolor. Woman with a Hat: Używa nierealnych kolorów, aby narysować postać.

Derain:  „Charing Cross Bridge, Londyn” (użycie bardzo nasyconych kolorów, aby przedstawić miejski pejzaż przesiąknięty dzikością).

Historia rozwoju

Początki (1905): Malarze tacy jak Matisse i Derain prezentowali swoje dzieła na paryskiej Wystawie Sztuki. Historycy sztuki nazywali ich „fowistami” – stąd wzięła się nazwa ruchu.

Okres rozkwitu (1905–1907): członkowie ścisłego kierownictwa grupy pracowali intensywnie, rozwijając charakterystyczny styl, który promował wyzwolenie koloru i wpłynął na późniejszy kubizm i ekspresjonizm.

Rozwiązanie (1908): Ruch rozpadł się po zaledwie trzech latach. Stało się tak, ponieważ jego członkowie mieli odmienne koncepcje artystyczne (np. Matisse koncentrował się bardziej na „dekoracyjności”, Derain powrócił do tradycji). Zmieniło to jednak na zawsze rolę koloru w sztuce.

4. Kubizm (lata 1907–1920), powstał we Francji

Rdzeń

Odchodzi od tradycyjnej metody obserwacji z „jednej perspektywy”. Artyści najpierw rozbierają obiekty na figury geometryczne – takie jak kwadraty, trójkąty i cylindry. Następnie składają je ponownie pod wieloma kątami. W ten sposób ukazują „całościową strukturę” obiektów.

Główne cechy

Obrazy sprawiają wrażenie rozbitych, wykorzystują geometryczne bloki do ukazania obiektów (np. postacie Picassa — widać ich przód i bok).

Kolory są spokojne, głównie w neutralnych odcieniach, takich jak brąz, szarość i czerń. Dzięki temu kolor nie zaburza ukazania struktury.

Istnieją dwa jego rodzaje. Jeden to „kubizm analityczny” – rozkłada obiekty na części i koncentruje się na badaniu ich struktury. Drugi to „kubizm syntetyczny” – wykorzystuje elementy takie jak kolaże i tekst do ponownego tworzenia obrazów.

Postacie reprezentacyjne i dzieła sztuki

Picasso:  „Panny z Awinionu”: To pierwszy ważny obraz kubistyczny. Wykorzystuje geometryczne bryły do rekonstrukcji ludzkich ciał i łamie stare zasady dotyczące portretów. Guernica: Wykorzystuje kubistyczną sztukę, by wyrazić sprzeciw wobec okropnych czynów popełnianych przez ludzi na wojnie.

Braque:  Gitara: Wykorzystuje proste geometryczne bryły do narysowania struktury gitary. Pomaga również w rozwoju „rozbijania kubizmu”.

Historia rozwoju

Początki (1907): Picasso namalował „Panny z Awinionu”. Inspirację czerpał z afrykańskich masek i „Teorii konstrukcji” Cézanne’a, kładąc podwaliny pod kubizm.

Kubizm analityczny (1908–1912):  Picasso współpracował z Braque’iem, skupiając się na dekonstrukcji struktury obiektów, co zaowocowało wysoce abstrakcyjnymi obrazami.

Kubizm syntetyczny (1912–1920):  Artyści dodawali kolaże – na przykład kawałki gazet i tkanin – oraz tekst. To wzbogaciło obrazy i wpłynęło na późniejszy dadaizm i pop-art.

Schyłek (po latach 20. XX wieku):  Czołowi członkowie przeszli na inne style. Kubizm zmienił jednak sposób, w jaki ludzie postrzegają „przestrzeń” w sztuce i był to wielki punkt zwrotny dla sztuki nowoczesnej.

5. Surrealizm (lata 24.–50. XX wieku) – narodził się we Francji

Rdzeń

Opiera się na „teorii podświadomości” Freuda. Bada obrazy ze snów i  wyimaginowane rzeczy, które widzisz, a które nie są prawdziwe . Tworzy „zmyślone sceny, które nie istnieją w prawdziwym życiu” i eliminuje ograniczenia logiki i zdrowego rozsądku.

Główne cechy

Te obrazy są pełne dziwnych i osobliwych rzeczy – jak topniejące zegary i unoszące się w powietrzu obiekty. Wyglądają jak sny i nie kierują się logiką.

Ich zakres rozciąga się od realistycznych opisów szczegółów (jak w dziełach Dalíego) do abstrakcyjnych wyrażeń emocji (jak u Miró).

Tematyka prac często wiąże się z podświadomymi lękami, pragnieniami i fantazjami, często przesiąkniętymi mistycznymi lub symbolicznymi konotacjami.

Postacie reprezentacyjne i dzieła sztuki

Dalí:  Trwałość pamięci: Tonące zegary i pusty, samotny brzeg. Pokazują, jak dziwny jest czas i jakie myśli przychodzą nam do głowy, nawet nie zdając sobie z tego sprawy. Przeczucie wojny domowej: Zniekształcone ludzkie postacie pozwalają ludziom poczuć, jak przerażająca jest wojna.

Magnité:  „Mężczyzna w czarnym kapeluszu” (twarz mężczyzny zasłonięta jabłkiem, co ukazuje sprzeczność między „widzeniem” a „byciem”).

Jim Miró:  „Karnawał Arlekina” (użycie prostych symboli i żywych kolorów, by przedstawić oniryczną scenę).

Historia rozwoju

Początki (1924): Poeta Breton opublikował „Manifest surrealistyczny”, formalnie proponując zasady ruchu. Początkowo koncentrował się on na literaturze, później rozszerzył się o sztuki wizualne.

Okres świetności (lata 30. i 40. XX wieku): Malarze tacy jak Dalí i Magritte stali się znani. Ich prace były szeroko eksponowane w Europie i Stanach Zjednoczonych, a ich wpływ osiągnął apogeum.

Schyłek (po latach 50. XX wieku): Po II wojnie światowej ekspresjonizm abstrakcyjny zyskał na popularności. Surrealizm powoli zanikał, ale nadal miał duży wpływ na późniejszą sztukę pop-artu i rysunki science fiction.

6. Ekspresjonizm abstrakcyjny (lata 40. i 60. XX wieku) – powstał w Stanach Zjednoczonych

Rdzeń

Całkowicie rezygnuje z „konkretnych obrazów”. Używa kolorów, linii i pociągnięć pędzla, aby bezpośrednio ukazać emocje – bez potrzeby używania realnych obiektów. Koncentruje się na „działaniach” artysty i „uwalnianiu emocji”.

Główne cechy

Obrazom brakuje wyraźnego tematu. Artyści przekazują uczucia (takie jak gniew, spokój, niepokój) jedynie za pomocą kolorów i siły nacisku pędzla.

Istnieją dwa rodzaje malarstwa. Pierwszy to „action painting” – artyści tacy jak Pollock skupiają się na „kapaniu i rozpryskiwaniu” podczas tworzenia. Drugi to „color field painting” – artyści tacy jak Rothko używają dużych bloków koloru, aby stworzyć nastrój.

Proces twórczy jest swobodny, bez uprzednio ustalonej kompozycji, kładący nacisk na „improwizowaną ekspresję”.

Postacie reprezentacyjne i dzieła sztuki

Jackson Pollock: „Lavender Mist” (obraz stworzony przy użyciu technik kapania, spryskiwania i rozpryskiwania, pełen ruchu i napięcia).

Mark Rothko: „Bez tytułu (Czerwony na czerwonym)” (duże obszary czerwieni ułożone jedna na drugiej oddają głębokie, spokojne uczucie).

Historia rozwoju

Początki (lata 40. XX w.):  Pod wpływem europejskiego surrealizmu i kubizmu amerykańscy malarze (głównie imigranci i weterani) zaczęli eksplorować style abstrakcyjne jako reakcję na tradycyjny realizm.

Okres świetności (lata 50. XX wieku): Action painting i Color Field stały się głównym nurtem, a Nowy Jork stał się centrum sztuki nowoczesnej. Ruch ten znany jest również jako „szkoła nowojorska”.

Schyłek (po latach 60. XX wieku):  Wraz z rozwojem pop-artu i minimalizmu, ekspresjonizm abstrakcyjny stopniowo zanikał z głównego nurtu. Ugruntował jednak pozycję Ameryki w sztuce nowoczesnej i przyczynił się do globalizacji „sztuki abstrakcyjnej”.

O nas