I 6 movimenti artistici più influenti

1. Rinascimento, XIV-XVI secolo , Origine in Italia

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Il suo nucleo era l'"umanesimo". Andava contro l'idea religiosa medievale di rinunciare ai piaceri. Incoraggiava la cura per il valore umano e la vita reale. Spingeva anche l'arte a essere scientifica e fedele alla vita.

Caratteristiche principali

Il primo uso sistematico della prospettiva, che crea un senso tridimensionale dello spazio.

Enfasi sull'anatomia umana, che si traduce in una modellazione realistica dei personaggi e in proporzioni precise.

I suoi colori sono tenui e naturali. Sebbene i temi siano principalmente religiosi, includono anche emozioni e scene di gente comune.

Figure e opere d'arte rappresentative

Leonardo da Vinci: La Gioconda e L'Ultima Cena prestano attenzione alla luce e alle ombre. Si concentrano anche sulla rappresentazione dei pensieri e dei sentimenti dei personaggi.

Michelangelo:  David e il soffitto della Cappella Sistina (che sottolinea il potere e la sacralità del corpo umano).

Raffaello: La scuola di Atene (fusione della filosofia classica con l'umanesimo, con una composizione equilibrata e armoniosa).

Storia dello sviluppo

Periodo antico (XIV secolo):  ebbe inizio a Firenze, in Italia. Artisti come Giotto si allontanarono dal rigido stile medievale e gettarono le basi per l'arte realistica.

Periodo Alto (XV-XVI secolo): il centro si spostò a Roma. Comparvero maestri come Leonardo da Vinci e Michelangelo, e le capacità e le idee artistiche raggiunsero il loro apice.

Periodo Tardo (fine del XVI secolo): si diffuse in diversi paesi europei. Divenne il "Manierismo", uno stile più esagerato e fantasioso. Questo contribuì a preparare le forme d'arte del Barocco.

2. Impressionismo, anni '60-'90, nato in Francia

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Era in contrasto con le "materie storiche" e con lo "stile realistico accurato" della scuola accademica. Incoraggiava a cogliere i rapidi cambiamenti di luce e colore e a mostrare le vere sensazioni della natura e della vita quotidiana.

Caratteristiche principali

Utilizzava pennellate sciolte e brevi. Non si concentrava sui piccoli dettagli, ma solo sulla combinazione e la miscelazione dei colori (come il "puntinismo" di Monet, una delle prime forme d'arte).

Spesso raffigura scene all'aperto (come albe, prati e rive di fiumi), privilegiando lo "schizzo en plein air".

Dipingeva soggetti facilmente riconoscibili, come scene di vita quotidiana come caffè, balli e passeggiate, e non i tradizionali temi nobiliari o religiosi.

Figure e opere d'arte rappresentative

Monet: Impressione, Alba: Questo dipinto ha dato il nome al movimento. Mostra l'acqua sfocata nella luce del mattino. Serie delle Ninfee: Questi dipinti rappresentano la luce e le ombre sull'acqua in momenti diversi.

Renoir: Ballo al Moulin de la Galette (i colori vivaci mostrano la vivace vita sociale della gente comune).

Degas: "Lezione di danza" (eccelle nel catturare momenti dinamici, spesso utilizzando composizioni dettagliate).

Storia dello sviluppo

Origini (anni '60 dell'Ottocento):  Giovani pittori come Monet e Renoir videro le loro opere rifiutate dal Salon ufficiale. La loro arte non soddisfaceva gli standard accademici della scuola.

Breakthrough (1874): si tenne la prima mostra impressionista. I critici d'arte presero in giro "Impression, Sunrise", ma questo segnò anche l'inizio del movimento.

Maturità (anni 1880):  i pittori svilupparono uno stile unitario, le loro opere ottennero gradualmente riconoscimento e la loro influenza si diffuse in tutta Europa.

Declino (anni 1890):  i membri principali iniziarono a dipingere con stili diversi (ad esempio, Cézanne si concentrò sull'"esplorazione strutturale"). Il movimento si disgregò gradualmente, ma gettò le basi per l'arte moderna.

3. Fauvismo, 1905-1908, nato in Francia

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Infrange totalmente le regole tradizionali dei colori. Usa colori esagerati, accesi, persino "selvaggi" per esprimere emozioni in modo diretto. Non dipende dai colori reali delle cose, come dipingere l'erba di rosso.

Caratteristiche principali

Contrasti cromatici estremi, come l'accostamento di un giallo brillante a un viola scuro, si fondono con pennellate decise e libere, creando un effetto forte e accattivante.

Le figure sono semplificate, evitando il realismo a favore della tensione emotiva creata dal colore.

I soggetti sono principalmente paesaggi e ritratti e le immagini sono ricche di vitalità ed emozioni soggettive.

Figure e opere d'arte rappresentative

Matisse:  Armonia in rosso: utilizza ampie zone di rosso per illuminare l'interno di una stanza. Scombina il senso di profondità e si concentra sull'aspetto piatto del colore. Donna con cappello: utilizza colori irreali per disegnare una persona.

Derain:  "Charing Cross Bridge, Londra" (utilizza colori molto saturi per rappresentare un paesaggio urbano, permeato di natura selvaggia).

Storia dello sviluppo

Origini (1905): Pittori come Matisse e Derain esposero le loro opere all'Esposizione d'Arte di Parigi. Gli storici dell'arte li chiamarono "Fauves", da cui il nome del movimento.

Periodo alto (1905-1907): i membri principali lavorarono intensamente, sviluppando uno stile distintivo che promosse la liberazione del colore e influenzò il successivo Cubismo ed Espressionismo.

Scioglimento (1908): Il movimento si sciolse dopo soli tre anni. Questo perché i suoi membri avevano idee artistiche diverse (ad esempio, Matisse si concentrava maggiormente sulla "decorazione", Derain tornava alla tradizione). Ma cambiò per sempre il ruolo del colore nell'arte.

4. Cubismo, anni 1907-1920, nato in Francia

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Abbandona il tradizionale metodo di osservazione "a prospettiva singola". Gli artisti prima scompongono gli oggetti in forme geometriche, come quadrati, triangoli e cilindri. Poi ricompongono queste forme da diverse angolazioni. In questo modo, mostrano la "struttura complessiva" degli oggetti.

Caratteristiche principali

I dipinti appaiono frammentati, utilizzando blocchi geometrici per rappresentare gli oggetti (ad esempio, le figure di Picasso: è possibile vederne sia la parte frontale che quella laterale).

I colori sono tenui, prevalentemente neutri, come il marrone, il grigio e il nero. Questo impedisce al colore di ostacolare la visibilità della struttura.

Si divide in due tipologie. Una è il "Cubismo analitico", che scompone gli oggetti e si concentra sullo studio della loro struttura. L'altra è il "Cubismo sintetico", che utilizza elementi come collage e testo per ricostruire le immagini.

Figure e opere d'arte rappresentative

Picasso:  Les Demoiselles d'Avignon: è il primo importante dipinto cubista. Utilizza blocchi geometrici per ricostruire corpi umani e infrange le vecchie regole dei ritratti. Guernica: usa le tecniche cubiste per denunciare le cose terribili che le persone commettono in guerra.

Braque:  Chitarra: Utilizza semplici blocchi geometrici per disegnare la struttura della chitarra. Contribuisce anche allo sviluppo del "cubismo in crisi".

Storia dello sviluppo

Origini (1907): Picasso realizzò Les Demoiselles d'Avignon. Trasse spunto dalle maschere africane e dalla "Teoria della costruzione" di Cézanne, gettando le basi del Cubismo.

Cubismo analitico (1908-1912):  Picasso collaborò con Braque, concentrandosi sulla decostruzione della struttura degli oggetti, dando vita a dipinti fortemente astratti.

Cubismo sintetico (1912-1920):  gli artisti aggiunsero collage, come pezzi di giornale e stoffa, e testi. Ciò rese i dipinti più ricchi e influenzò il Dadaismo e la Pop Art successivi.

Declino (dopo gli anni '20):  i membri principali si dedicarono ad altri stili. Ma il Cubismo cambiò il modo in cui le persone concepiscono lo "spazio" nell'arte e rappresentò una svolta decisiva per l'arte moderna.

5. Surrealismo, anni '24-'50, nato in Francia

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Segue la "teoria del subconscio" di Freud. Studia le immagini dei sogni e  le cose immaginarie che vedi e che non sono reali . Crea "scene inventate che non esistono nella vita reale" e si libera dai limiti della logica e del buon senso.

Caratteristiche principali

Questi dipinti sono pieni di cose strane e bizzarre, come orologi che si sciolgono e oggetti fluttuanti. Sembrano sogni e non seguono alcuna logica.

Si va dalle rappresentazioni realistiche dei dettagli (come nelle opere di Dalí) alle espressioni astratte delle emozioni (come in quelle di Miró).

L'argomento spesso riguarda paure, desideri e fantasie inconsce, spesso permeate da connotazioni mistiche o simboliche.

Figure e opere d'arte rappresentative

Dalí:  La persistenza della memoria: Ci sono orologi che si sciolgono e una spiaggia deserta e solitaria. Mostrano quanto sia strano il tempo e i pensieri che abbiamo senza rendercene conto. Premonizione di guerra civile: Figure umane contorte fanno percepire alla gente quanto sia spaventosa la guerra.

Magnité:  "L'uomo con il cappello nero" (il volto di un uomo oscurato da una mela esplora la contraddizione tra "vedere" ed "essere").

Jim Miró:  "Il carnevale di Arlecchino" (utilizzando simboli semplici e colori vivaci per rappresentare una scena onirica).

Storia dello sviluppo

Origini (1924): il poeta Breton pubblicò il "Manifesto surrealista", proponendo formalmente i principi del movimento. Inizialmente focalizzato sulla letteratura, si espanse in seguito fino a includere le arti visive.

Periodo di massimo splendore (anni '30-'40): Pittori come Dalí e Magritte divennero famosi. Le loro opere furono esposte in numerose mostre in Europa e negli Stati Uniti, e la loro influenza raggiunse l'apice.

Declino (dopo gli anni '50): dopo la seconda guerra mondiale, l'Espressionismo astratto divenne popolare. Il Surrealismo svanì lentamente, ma ebbe comunque una grande influenza sui successivi disegni della Pop Art e della fantascienza.

6. Espressionismo astratto, anni '40-'60, nato negli Stati Uniti

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Abbandona completamente le "immagini specifiche". Utilizza colori, linee e pennellate per esprimere direttamente i sentimenti, senza bisogno di oggetti reali. Si concentra sulle "azioni" dell'artista e sul "far emergere le emozioni".

Caratteristiche principali

I dipinti non hanno un tema chiaro. Gli artisti trasmettono emozioni (come rabbia, calma, ansia) solo attraverso i colori e l'intensità con cui usano il pennello.

Ne esistono due tipi. Uno è l'"action painting": artisti come Pollock si concentrano su "gocciolamenti e schizzi" durante la creazione. L'altro è il "color field painting": artisti come Rothko usano grandi blocchi di colore per creare un'atmosfera.

Il processo creativo è libero, senza composizioni preconcette, e privilegia "l'espressione improvvisata".

Figure e opere d'arte rappresentative

Jackson Pollock: "Lavender Mist" (realizzato utilizzando tecniche di gocciolamento, spruzzatura e spruzzo, il dipinto è pieno di movimento e tensione).

Mark Rothko: Senza titolo (Rosso su rosso)" (grandi aree rosse sovrapposte trasmettono una sensazione di profonda calma).

Storia dello sviluppo

Origini (anni '40):  Influenzati dal surrealismo e dal cubismo europei, i pittori americani (per lo più immigrati o veterani) iniziarono a esplorare stili astratti come reazione al realismo tradizionale.

Periodo di massimo splendore (anni '50): l'action painting e il color field painting divennero mainstream e New York divenne il centro dell'arte moderna. Il movimento è anche noto come "Scuola di New York".

Declino (dopo gli anni '60):  con l'ascesa della Pop Art e del Minimalismo, l'Espressionismo Astratto svanì gradualmente dal mainstream. Tuttavia, consolidò la posizione dell'America nell'arte moderna e promosse la globalizzazione dell'"arte astratta".

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