Los 6 movimientos artísticos más influyentes

1. Renacimiento, siglos XIV-XVI , originado en Italia

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Su núcleo era el "humanismo". Iba en contra de la idea religiosa medieval de renunciar a los placeres. Fomentaba la preocupación por el valor humano y la vida real. También impulsaba que el arte fuera científico y realista.

Características principales

El primer uso sistemático de la perspectiva, creando una sensación tridimensional del espacio.

Énfasis en la anatomía humana, dando como resultado un modelado de personajes realista y proporciones precisas.

Sus colores son suaves y naturales. Si bien sus temas son principalmente religiosos, también incluyen emociones y escenas de la gente común.

Figuras y obras de arte representativas

Leonardo da Vinci: La Mona Lisa y La Última Cena prestan atención a la luz y la sombra. También se centran en mostrar lo que piensan y sienten los personajes.

Miguel Ángel:  David y el techo de la Capilla Sixtina (enfatizando el poder y la sacralidad del cuerpo humano).

Rafael: La Escuela de Atenas (mezcla la filosofía clásica con el humanismo, con una composición equilibrada y armoniosa).

Historia del desarrollo

Periodo Temprano (siglo XIV):  Comenzó en Florencia, Italia. Artistas como Giotto se distanciaron del rígido estilo medieval y sentaron las bases del arte realista.

Período Alto (siglos XV-XVI): El centro se trasladó a Roma. Aparecieron maestros como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, y las habilidades e ideas artísticas alcanzaron su máximo esplendor.

Periodo Tardío (finales del siglo XVI): Se extendió a diferentes países de Europa. Se convirtió en el "Manierismo", un estilo más recargado y sofisticado. Esto contribuyó a la preparación para las formas artísticas del Barroco.

2. Impresionismo, década de 1960-1990, originado en Francia

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Iba en contra de los "temas históricos" y el "estilo realista y meticuloso" de la escuela académica. Promovía la captura de los rápidos cambios de luz y color, y la expresión de las verdaderas sensaciones de la naturaleza y la vida cotidiana.

Características principales

Usaba pinceladas sueltas y cortas. No se centraba en los pequeños detalles, sino en la combinación y mezcla de colores (como el puntillismo, la forma de arte temprana de Monet).

A menudo representa escenas al aire libre (como amaneceres, prados y riberas de ríos), enfatizando el "dibujo al aire libre".

Pintó temas fáciles de entender, como cosas cotidianas como cafés, bailes y paseos, no los tradicionales temas nobles o religiosos.

Figuras y obras de arte representativas

Monet: Impresión, Amanecer: Esta pintura dio nombre al movimiento. Muestra agua difusa bajo la luz de la mañana. Serie Nenúfares: Estas pinturas tratan sobre la luz y las sombras en el agua en diferentes momentos.

Renoir: Baile en el Moulin de la Galette (los colores brillantes muestran la animada escena social de la gente común).

Degas: "La lección de baile" (destaca en capturar momentos dinámicos, a menudo utilizando composiciones detalladas).

Historia del desarrollo

Orígenes (década de 1860):  Jóvenes pintores como Monet y Renoir vieron sus obras rechazadas por el Salón oficial. Su arte no cumplía con los estándares de la escuela académica.

Breakthrough (1874): Se celebró la primera exposición impresionista. Los críticos de arte se burlaron de Impresión, Amanecer, pero esto también marcó el inicio del movimiento.

Madurez (década de 1880):  Los pintores desarrollaron un estilo unificado, sus obras ganaron reconocimiento gradualmente y su influencia se extendió por toda Europa.

Decadencia (década de 1890):  Los miembros principales comenzaron a pintar en diferentes estilos (por ejemplo, Cézanne se centró en la "exploración estructural"). El movimiento se desintegró gradualmente, pero sentó las bases del arte moderno.

3. Fauvismo, década de 1905-1908, originado en Francia

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Rompe por completo las reglas tradicionales del color. Utiliza colores exagerados, brillantes e incluso "salvajes" para expresar sentimientos directamente. No depende de los colores reales de las cosas, como pintar la hierba de rojo.

Características principales

Los contrastes de color extremos, como combinar un amarillo brillante con un morado oscuro, se combinan con pinceladas sueltas y atrevidas. Crean un efecto potente y llamativo.

Las figuras se simplifican, evitando el realismo en favor de la tensión emocional creada por el color.

Los temas son principalmente paisajes y retratos, y las imágenes están llenas de vitalidad y emoción subjetiva.

Figuras y obras de arte representativas

Matisse:  Armonía en rojo: Utiliza grandes áreas de rojo para iluminar una habitación. Altera la sensación de profundidad y se centra en la monotonía del color. Mujer con sombrero: Utiliza colores que no son reales para dibujar a una persona.

Derain:  "Charing Cross Bridge, Londres" (utilizando colores muy saturados para representar un paisaje urbano impregnado de naturaleza salvaje).

Historia del desarrollo

Orígenes (1905): Pintores como Matisse y Derain exhibieron sus obras en la Exposición de Arte de París. Los historiadores del arte los llamaron «fauvistas», de ahí el nombre del movimiento.

Período Alto (1905-1907): Los miembros principales trabajaron intensamente, desarrollando un estilo distintivo que promovió la liberación del color e influyó en el cubismo y el expresionismo posteriores.

Disolución (1908): El movimiento se disolvió tras tan solo tres años. Esto se debió a que sus miembros tenían ideas artísticas diferentes (por ejemplo, Matisse se centró más en lo decorativo, Derain volvió a la tradición). Pero cambió para siempre el papel del color en el arte.

4. Cubismo, década de 1907-1920, originado en Francia

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Abandona el método tradicional de observación de "perspectiva única". Los artistas primero descomponen los objetos en formas geométricas, como cuadrados, triángulos y cilindros. Luego, las recomponen desde múltiples ángulos. De esta manera, muestran la estructura integral de los objetos.

Características principales

Las pinturas parecen fragmentadas y utilizan bloques geométricos para mostrar objetos (por ejemplo, las figuras de Picasso: se puede ver tanto el frente como el costado).

Los colores son tranquilos, con tonos neutros como el marrón, el gris y el negro como norma. Esto evita que el color impida visualizar la estructura.

Tiene dos tipos. Uno es el "cubismo analítico", que desmonta los objetos y se centra en el estudio de su estructura. El otro es el "cubismo sintético", que utiliza elementos como collages y texto para reconstruir imágenes.

Figuras y obras de arte representativas

Picasso:  Las señoritas de Avignon: Es la primera pintura cubista importante. Utiliza bloques geométricos para reconstruir cuerpos humanos y rompe las viejas reglas del retrato. Guernica: Utiliza técnicas cubistas para denunciar las atrocidades cometidas durante la guerra.

Braque:  Guitarra: Utiliza bloques geométricos simples para dibujar la estructura de la guitarra. También facilita el desarrollo del "cubismo descompuesto".

Historia del desarrollo

Orígenes (1907): Picasso pintó Las señoritas de Avignon. Se inspiró en las máscaras africanas y en la "Teoría de la construcción" de Cézanne, sentando las bases del cubismo.

Cubismo analítico (1908-1912):  Picasso colaboró con Braque, centrándose en deconstruir la estructura de los objetos, lo que dio como resultado pinturas altamente abstractas.

Cubismo sintético (década de 1912-1920):  Los artistas añadieron collages —como trozos de periódico y tela— y texto. Esto enriqueció las pinturas e influyó en el dadaísmo y el arte pop posteriores.

Decadencia (después de la década de 1920):  Los miembros principales se cambiaron a otros estilos. Pero el cubismo cambió la forma en que la gente concibe el "espacio" en el arte y representó un punto de inflexión para el arte moderno.

5. Surrealismo, década de 1924-1950, se originó en Francia

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Sigue la teoría del subconsciente de Freud. Estudia imágenes de sueños y  cosas imaginarias que no son reales . Crea escenas inventadas que no existen en la vida real y rompe con los límites de la lógica y el sentido común.

Características principales

Estas pinturas están llenas de cosas raras y extrañas, como relojes derretidos y objetos flotantes. Parecen sueños y no siguen ninguna lógica.

Abarcan desde representaciones realistas de detalles (como en las obras de Dalí) hasta expresiones abstractas de emoción (como en las de Miró).

El tema a menudo trata sobre miedos, deseos y fantasías subconscientes, a menudo imbuidos de matices místicos o simbólicos.

Figuras y obras de arte representativas

Dalí:  La persistencia de la memoria: Hay relojes derritiéndose y una orilla vacía y solitaria. Muestran lo extraño que es el tiempo y los pensamientos que tenemos sin darnos cuenta. Premonición de la Guerra Civil: Figuras humanas retorcidas permiten sentir el miedo que da la guerra.

Magnité:  "El hombre con el sombrero negro" (el rostro de un hombre oculto por una manzana explora la contradicción entre "ver" y "ser").

Jim Miró:  "El carnaval del arlequín" (utilizando símbolos simples y colores vibrantes para representar una escena onírica).

Historia del desarrollo

Orígenes (1924): El poeta Breton publicó el "Manifiesto Surrealista", donde proponía formalmente los principios del movimiento. Inicialmente centrado en la literatura, posteriormente se expandió para incluir las artes visuales.

Apogeo (décadas de 1930-1940): Pintores como Dalí y Magritte alcanzaron gran renombre. Sus obras se exhibieron con frecuencia en Europa y Estados Unidos, y su influencia alcanzó su máximo esplendor.

Decadencia (después de la década de 1950): Tras la Segunda Guerra Mundial, el expresionismo abstracto se popularizó. El surrealismo fue desapareciendo poco a poco, pero aún ejerció una gran influencia en el arte pop y los dibujos de ciencia ficción posteriores.

6. Expresionismo abstracto, década de 1940-1960, originado en Estados Unidos.

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Abandona por completo las imágenes específicas. Utiliza colores, líneas y pinceladas para expresar sentimientos directamente, sin necesidad de objetos reales. Se centra en las acciones del artista y en expresar sus emociones.

Características principales

Las pinturas carecen de un tema claro. Los artistas solo transmiten sentimientos (como la ira, la calma, la ansiedad) a través de los colores y la fuerza con la que usan el pincel.

Hay dos tipos. Uno es la "pintura de acción" (artistas como Pollock se centran en "gotear y salpicar" al crear). El otro es la "pintura de campos de color" (artistas como Rothko utilizan grandes bloques de color para crear una atmósfera).

El proceso creativo es libre, sin composición preconcebida, enfatizando la “expresión improvisada”.

Figuras y obras de arte representativas

Jackson Pollock: "Lavender Mist" (creada utilizando técnicas de goteo, rociado y salpicaduras, la pintura está llena de movimiento y tensión).

Mark Rothko: Sin título (Rojo sobre rojo)" (grandes áreas de color rojo apiladas una sobre otra transmiten una sensación profunda y tranquila).

Historia del desarrollo

Orígenes (década de 1940):  Influenciados por el surrealismo y el cubismo europeos, los pintores estadounidenses (en su mayoría inmigrantes o veteranos) comenzaron a explorar estilos abstractos como reacción contra el realismo tradicional.

Apogeo (década de 1950): La pintura de acción y la pintura de campos de color se popularizaron, y Nueva York se convirtió en el centro del arte moderno. El movimiento también se conoce como la "Escuela de Nueva York".

Decadencia (después de la década de 1960):  Con el auge del arte pop y el minimalismo, el expresionismo abstracto fue desapareciendo gradualmente de la corriente dominante. Sin embargo, consolidó la posición de Estados Unidos en el arte moderno y promovió la globalización del «arte abstracto».

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