Postimpressionismus verstehen in 4 Minuten

Herkunft

Der Postimpressionismus , auch bekannt als „Nachimpressionismus“ oder einfach „Postimpressionismus“, ist ein bedeutendes künstlerisches Phänomen in der französischen Kunstgeschichte, das nach dem Impressionismus entstand.

Die Hauptidee dieser Bewegung besteht darin, dass sie sich von den Impressionisten und Neoimpressionisten abgrenzt. Diese Künstler konzentrierten sich ausschließlich darauf, Licht und Schatten exakt so darzustellen, wie sie sind, und legten zu viel Wert auf kleine, fragmentarische Details der Farben und des Lichts im Freien.

Stattdessen betont sie die Rückbesinnung auf die subjektiven Emotionen des Schöpfers und die Wiederentdeckung der den Dingen innewohnenden „Realität“. In ihrer Kunst konzentrierten sie sich auf die Schaffung klarer Formen . Sie nutzten Linien , Farbblöcke , dreidimensionale Formen und flächige Oberflächen als zentrale Werkzeuge ihrer Gemälde und pflegten ähnliche künstlerische Stile.

Der Begriff „Postimpressionismus“ beschreibt Künstler wie Paul Cézanne , Vincent van Gogh und Paul Gauguin sowie ihre Malweise.

Der britische Kunstkritiker Roger Fry (1866–1934) prägte 1911 den Begriff „Postimpressionismus“. Er leitete einst das Metropolitan Museum of Art in New York. Vereinfacht gesagt: Diese drei Künstler erhielten die Bezeichnung „Postimpressionisten“ erst nach ihrem Tod.

Viele Jahre lang unterschied man sie in Frankreich nicht von den Impressionisten. Erst später wurde dieser Begriff verwendet, um ihren besonderen künstlerischen Stil zu kennzeichnen.

Obwohl Cézanne den Großteil seines Lebens seine Gemälde zusammen mit impressionistischen Künstlern ausstellte, ist „Postimpressionismus“ nach wie vor die treffendste Bezeichnung für ihn, Van Gogh und Gauguin. Ihre künstlerischen Konzepte und Praktiken unterschieden sich tatsächlich grundlegend von denen der Impressionisten.

Stil

Der Postimpressionismus bezeichnet im Wesentlichen die Kunstideen und Gemälde dreier Künstler: Paul Cézanne, Vincent van Gogh und Paul Gauguin.

Alle drei waren anfangs stark vom Impressionismus beeinflusst. Cézanne und Gauguin stellten ihre Werke in impressionistischen Kunstausstellungen aus. Van Gogh nahm zwar nicht an diesen Ausstellungen teil, sah sich aber dennoch stets als Impressionist.

Während sie weiterhin schufen, gingen sie allmählich über die Grenzen des Impressionismus hinaus. Sie waren der Ansicht, dass Malerei nicht einfach die Welt abbilden sollte, wie sie ist. Vielmehr sollte sie die persönlichen Gefühle und das Verständnis des Künstlers zum Ausdruck bringen.

Obwohl sie gemeinsame kreative Neigungen teilten, besaß jeder von ihnen eine ausgeprägte künstlerische Persönlichkeit:

• Cézanne widmete sein Leben der Suche nach zeitlosen Formen und soliden Bildstrukturen . Seine Gemälde wirkten schwer, massiv und beständig. Schließlich vereinfachte er seine Werke und verwendete einfache Formen wie Kreise und Quadrate. Dies machte ihn zu einer Schlüsselfigur des Kubismus und Abstrakten Expressionismus .
• Gauguin wollte, dass Künstler aufhören, einfach nur das Gesehene zu kopieren. Stattdessen sollten sie aus der Erinnerung und ihrer Fantasie malen. Er mochte Kunst, die Ideen verband und Symbole verwendete. Seine späteren, in Tahiti entstandenen Gemälde wiesen einen stark „ primitiven “ (einfachen, archaischen) Stil auf – genau das, was Roger Fry in seinen Schriften als „ Primitivismus “ bezeichnete.
• Van Goghs einzigartiger Malstil entstand aus der Verschmelzung von Expressionismus , Neoimpressionismus und japanischen Ukiyo-e-Holzschnitten mit seiner eigenen Persönlichkeit. Er ist ein großartiges Beispiel für das Zusammenfließen östlicher und westlicher Kunst . Seine Werke spiegeln seine Gefühle und seine Persönlichkeit sehr deutlich wider. Diese kraftvolle Ausdrucksweise beeinflusste später auch den deutschen Expressionismus .

Herausragende Leistungen

1. Innovative Durchbrüche im künstlerischen Ausdruck

Cézanne ging über den Fokus der Impressionisten hinaus, der sich lediglich auf das Kopieren von Licht und Schatten beschränkte. Er verarbeitete seine eigenen Gefühle und Ideen in seinen Gemälden und machte die Kunst so zu einem Mittel, sich selbst auszudrücken , anstatt nur ein Abbild der Welt zu sein.

Ihm war auch die Struktur und das Erscheinungsbild seiner Gemälde sehr wichtig. Cézanne verwendete einfache Formen (wie Kreise oder Quadrate). Van Gogh setzte kräftige, ausdrucksstarke Pinselstriche ein, und Gauguin nutzte Symbole, um Ideen zu vermitteln. Zusammengenommen veränderten diese neuen Malweisen die Kunstproduktion grundlegend.

2. Tiefgreifender Einfluss auf die spätere Kunst

Cézanne inspirierte unmittelbar moderne Kunststile wie den Kubismus, den Expressionismus und den Abstrakten Expressionismus. Er ist eine Schlüsselfigur der Kunstgeschichte – er verband alte Kunsttraditionen mit neuen.

Er widerlegte auch die alte Vorstellung, dass Kunst die Realität exakt abbilden müsse. Stattdessen zeigte Cézanne, dass Kunst die persönlichen Gefühle des Künstlers zum Ausdruck bringen und neue Formen erkunden kann. Dies eröffnete dem Kunstverständnis neue Möglichkeiten.

3. Die anhaltende Anziehungskraft seiner Werke

Ihre Werke sind voller starker Gefühle und bestechen durch ihre Ausdruckskraft. Van Gogh verwendete leuchtende, lebendige Farben , Gauguins Gemälde bestachen durch eine schlichte, natürliche Schönheit, und Cézannes Werke wirkten ruhig und harmonisch. Noch heute berühren diese Gemälde Menschen auf der ganzen Welt.

Sie vermischten verschiedene Kulturen mit ihren eigenen Stilen. Van Gogh beispielsweise ließ sich von japanischen Ukiyo-e-Holzschnitten inspirieren. Seine Werke vereinen die kraftvolle Energie westlicher Kunst mit der sanften Schönheit östlicher Kunst – sie sind tiefgründig und zugleich offen für vielfältige Einflüsse.

Herausragende Werke

Paul Cézanne

• Mont Sainte-Victoire : Er malte Berge und Felder mit einfachen Formen (wie Kreisen und Quadraten). Das Bild wirkt solide und beständig und zeugt von seiner Suche nach „ewigen Formen“ in der Kunst.
• Stillleben mit Äpfeln und Korb : Er ließ die Früchte und Gegenstände im Gemälde schlichter wirken. Durch den Einsatz verschiedener Farbschichten erzeugte er einen dreidimensionalen Effekt. Dieses Gemälde trug maßgeblich zur Entwicklung des kubistischen Kunststils bei.

Vincent van Gogh

• Die Sternennacht : Er verwendete geschwungene, wirbelnde Pinselstriche und leuchtende, kräftige Farben – wie etwa Blau und Gelb nebeneinander. Diese zeugen von seinen tiefen Gefühlen und seiner Liebe zur Natur und machen das Gemälde zu einem wahren Blickfang und einer beeindruckenden Ausdruckskraft.
• Sonnenblumen : Die Blüten haben leuchtend gelbe Blütenblätter. Der Künstler verwendete dicke, kräftige Pinselstriche, um sie zu malen – dadurch wirken die Blumen voller Leben und Energie. Es zeigt auch, wie sehr der Maler das Leben liebte.

Paul Gauguin

• Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir? Er malte das Leben der Menschen aus Tahiti mithilfe von Symbolen (einfachen Bildern, die für größere Ideen stehen). Die leuchtenden, satten Farben verleihen dem Gemälde die Wirkung eines schlichten, natürlichen Gedichts – und regen gleichzeitig zum Nachdenken über die großen Fragen des Lebens an.
• Jakobs Kampf mit dem Engel : Er stellte die Personen in seinem Gemälde einfach (nicht detailliert) dar. Durch große, kräftige Farbflächen verdeutlichte er die Spannung und Dramatik der religiösen Geschichte. Dies entspricht dem künstlerischen Konzept des „ synthetischen Symbolismus “ – der Verwendung einfacher Formen und Symbole zur Vermittlung komplexer Ideen.

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